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Das Knistern in der Luft – Thomas Rusche zeigt uns seine Highlights auf der Art Cologne 2018

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Der SØR-Inhaber und Kunstsammler Thomas Rusche vor der Wachsskulptur ,,Marsupiale” des Künstler Urs Fischer. Präsentiert von der New Yorker Galerie Gagosian. Foto, SØR

In der vergangenen Wochen drehte sich in Köln wieder alles um die Kunst. Die größte und wichtigste Kunstmesse in Deutschland präsentierte sich zum 52. Mal und lockte die internationale Kunstszene in die Rhein-Metropole. Thomas Rusche ist als Kunstsammler natürlich ein gerne gesehener Gast auf der Messe, und er begleitet einige Künstler und Galerien seit vielen Jahren. Welches seine Highlights der diesjährigen Art Cologne waren, erzählt er uns in seinem persönlichen Foto-Report.

Die erste Station bei meinen Köln Besuchen ist natürlich der SØR Store in der Mittelstraße 12-14. Bei sonnigen Wetter treibt es mich dann weiter zum Kölner Dom. Unter seiner Obhut genieße ich in Ruhe einen Cappuccino bevor ich mich in das Getümmel auf der Art Cologne stürze. Foto SØR

Die erste Station bei meinen Köln Besuchen ist natürlich der SØR Store in der Mittelstraße 12-14. Bei sonnigen Wetter treibt es mich dann weiter zum Kölner Dom. Unter seiner Obhut genieße ich in Ruhe einen Cappuccino, bevor ich mich in das Getümmel auf der Art Cologne stürze.

Schon beim Betreten der Messehallen spürt man förmlich ein Knistern in der Luft , welches die Menschen hinterlassen die sich auf Jagd nach Kunstwerken befinden. Dien Einen sind auf der Suche nach den großen Namen, die anderen nach kleinen Preisen und dann gibt es noch diejenigen die etwas Neues entdecken wollen - die Superstars von Morgen. Foto, SØR

Schon beim Betreten der Messehallen spürt man förmlich ein Knistern in der Luft , welches die Menschen hinterlassen die sich auf der Jagd nach Kunstwerken befinden. Die Einen sind auf der Suche nach den großen Namen, die anderen nach kleinen Preisen und dann gibt es noch diejenigen, die etwas Neues entdecken wollen – die Superstars von Morgen.

Jeff Koons ist einer der großen Superstars der Kunstwelt. Diese Arbeit aus seiner Serie

Jeff Koons ist einer der großen Superstars der Kunstwelt. Dieses Werk aus der Serie ,,Gazing Ball” wird von der Galerie David Zwirner präsentiert. Rudolf Zwirner, der Vater des Galeristen war übrigens einer der Mitbegründer der Art Cologne, die 1967 zum ersten stattfand.

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Seit den 1980er Jahren fördert die Art Cologne gemeinsam mit dem Bundesverband Deutscher Galerien und dem Staatsministerium für Kultur- und Medien auch Nachwuchstalente. In den sogenannten ,,Förderkojen”, heute heißt es ,,New Positions”, darf jedes Jahr eine Auswahl junger Künstler ihre Arbeiten auf der Messe präsentieren. Wie hier der Künstler Julius Hofmann…

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Hofmann stellt seine malerischen Arbeiten seinen 3D-Animations-Filmen gegenüber und ist auch mit Werken in der SØR Rusche Sammlung Oelde/Berlin vertreten. Entdeckt hatte ich den jungen Künstler bereits während seines Studiums unter Neo Rauch und Heribert C. Ottersbach an der HGB Leipzig.

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Diese Arbeit des Künstlers Lars Breuer entdecke ich am Stand der Galerie Rupert Pfab aus Düsseldorf. Der Herzblut-Galerist, der eigentlich aus dem Museums-Bereich kommt, überrascht mich immer wieder mit seinem außergewöhnlichen Programm…

Wie zum Beispiel mit den Werken des Konzept Künstlers Matthias Wollgast, der mit seinem fiktiven Künstler

Wie zum Beispiel mit den Werken des Konzept Künstlers Matthias Wollgast. Wollgast hat den Künstler Jan Usinger erfunden und präsentiert dazu ein fiktives Œuvre samt abenteuerlicher Biografie. Museen, wie aktuell das Kunstmuseum Bonn, präsentieren diese spannende konzeptuelle Arbeit.

Ganz und gar nicht fiktiv ist der Künstler Joachim Elzmann, auch wenn er in einer Person mit dem Galeristen Michael Haas steckt. Seit vielen Jahren sind wir mehr als nur Nachbarn in Berlin. In der Galerie Haas tätigte ich meine ersten Käufe und erwarb beispielsweise Werke von Leiko Ikemura und David Nicholson. Arbeiten von Joachim Elzmann findet man natürlich auch in meiner Sammlung, auch wenn ich diese in einer Düsseldorfer Galerie erwerbe.

Erwin Wurm ist einer der bedeutendsten europäischen Gegenwartskünstler. Mit seinen Werken provoziert  er unsere Aufmerksamkeit mit einem Witz, der erst auf den zweiten Blick die tiefe emotionale und kulturelle Bedeutung seiner Objekte

Erwin Wurm ist einer der bedeutendsten europäischen Gegenwartskünstler. Mit seinen vordergründig humorvollen Werken provoziert er unsere Aufmerksamkeit. Erst auf den zweiten Blick nimmt man die tiefe emotionale und kulturelle Bedeutung der dargestellten Objekte wahr…

Wie Erwin Wurm wird auch Daniel Richter von der Galerie Ropac vertreten. Die attraktive Galerie-Managerin, die übrigens unweit meiner Heimat in Bielefeld groß geworden ist, macht mich auf ein ganz neues Werk von Daniel Richter aufmerksam.

Wie Erwin Wurm wird auch Daniel Richter von der Galerie Ropac vertreten. Die attraktive Galerie-Managerin, die übrigens unweit meiner Heimat in Bielefeld groß geworden ist, macht mich auf ein ganz neues Werk von Daniel Richter aufmerksam.

Als Sammler darf man auch manchmal in kleine geheime Ecken schauen, die den Besuchern of vorenthalten werden. Hier habe ich schon einige Schätze für meine Sammlung entdeckt.

Als Sammler darf man auch manchmal in kleine geheime Ecken schauen, die den Besuchern vorenthalten werden. Hier habe ich schon einige Schätze für meine Sammlung entdeckt.

Bei der Galerie Kleindienst  erfreue ich mich an der frischen Farbigkeit der Christoph Ruckhäberle Insatllation. Der Professor für Malerei an der HGB Leipzig  spielt großzügig mit einem kontrastreichen Farbauftrag und entwickelte er eine ganz eigene Handschrift als einer der Kernkünstler der Leipziger Schule.

Bei der Galerie Kleindienst erfreue ich mich an der frischen Farbigkeit der Christoph Ruckhäberle Insatllation. Der Professor für Malerei an der HGB Leipzig spielt großzügig mit einem kontrastreichen Farbauftrag und entwickelte eine ganz eigene Handschrift als einer der Kernkünstler der Leipziger Schule.

Im Kreise der Lieben. David Schnell, Nicola Samori und Stella Hamberg, drei Künstler die ich äußerst schätze. Es bereitet mir stets Freude zu sehen wie sich Künstler, die ich seit Jahren begleite, weiterentwickeln und zu großen Namen werden.

Im Kreise der Lieben. David Schnell, Nicola Samori und Stella Hamberg, drei Künstler die ich äußerst schätze. Es bereitet mir stets Freude zu sehen wie sich Künstler, die ich seit Jahren begleite, weiterentwickeln und zu großen Namen werden.

Ausschlaggebend für solche Entwicklungen ist ein guter Galerist, der es versteht das Werk seiner Künstler zu artikulieren und  in die Welt hinauszutragen. Fast unnachahmlich mit dieser Fähigkeit ausgestattet ist Judy Lybke. Er hat die ganze Welt für die Leipziger Schule begeistern können und ist bereits heute eine Legende unter den großen Galeristen.

Ausschlaggebend für solche Entwicklungen ist ein Galerist der es versteht das Werk seiner Künstler zu artikulieren und in die Welt hinauszutragen. Fast unnachahmlich mit dieser Fähigkeit ausgestattet ist Judy Lybke. Er hat die ganze Welt für die Leipziger Schule begeistern können und ist bereits heute eine Legende unter den großen Galeristen. Neben seinem ausgerägten Sinn für gute Kunst, überrascht mich der Neo Rauch-Entdecker auch immer wieder mit seinen eigenwilligen Outfits.

Nach einem Tag auf einer Kunstmesse fühle ich wie mein kreativer Akku wieder voll aufgeladen ist. Gute Kunst ist im höchsten Maße bereichernd, daher möchte ich als Sammler täglich von ihr umgeben sein.  Bereits unter 1000 Euro kann man Kunstwerke von jungen Künstlern erwerben, nach oben sind dann bekannter Weise keine Grenzen gesetzt. Kommen Sie raus aus dem Hamsterrad, lernen Sie die Sprache der Bilder zu buchstabieren, lernen Sie zu sehen - Bereichern Sie Ihr Leben mit Kunst!

Nach einem Tag auf einer Kunstmesse fühle ich wie mein kreativer Akku wieder voll aufgeladen ist. Gute Kunst ist im höchsten Maße inspirierend, daher möchte ich als Sammler täglich von ihr umgeben sein. Das Werk von Jeff Koons kostet zwar mehrere Millionen, aber bereits für unter 1000 Euro kann man Arbeiten von jungen Künstlern auf einer Messe oder in Galerien erwerben. Kommen Sie raus aus dem Hamsterrad, lernen Sie die Sprache der Bilder zu buchstabieren, lernen Sie zu sehen – Bereichern Sie Ihr Leben mit Kunst!

 

http://instagram.com/soer_rusche

http://soer.de

http://www.artcologne.de/ART-COLOGNE/index.php

http://www.bvdg.de/NEW_POSITIONS_Foerderprogramm

 

100 Meisterwerke – Teil 12: Jonathan Meese & Willem van Mieris

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Willem van Mieris, Odysseus bedroht Circe, um 1700, 60 x 50 cm, Öl auf Holz, Courtesy SØR Rusche Sammlung Oelde/Berlin

In Willem van Mieris’ um 1700 entstandenem Gemälde „Odysseus bedroht Circe“ widersteht Odysseus mit grimmiger Entschlusskraft den Verführungskünsten der Circe. Unvorbereitet tritt er nicht in diesen mit unterschiedlichen Waffen geführten Wettkampf. Dem Aufeinandertreffen geht eine lange Geschichte voraus, die von Homer in der Odyssee und von Ovid in seinen Metamorphosen überliefert ist.

Während seiner Irrfahrt landet Odysseus auf der von Circe und ihren Dienerinnen bewohnten Insel. Zu den Vorlieben Circes gehört es, sich entweder die Zeit am Spinnrad zu vertreiben oder die wenigen Besucher, die es auf ihr Eiland verschlägt, anzulocken und mit ihren Verführungskünsten zu betören, um sie danach in unterschiedlichste Tiere wie Löwen oder Wölfe zu verwandeln. Ein Vorgehen, das ihr bereits eine ansehnliche Menagerie eingebracht hat. 

Auch Odysseus’ an Land gegangenen Gefährten ergeht es nicht anders. Als eine Gruppe von ihnen losgeschickt wird um die Insel zu erkunden, empfängt Circe diese freundlich, lädt sie zum Essen ein und verwandelt sie danach in Schweine, die sie in einen Koben sperrt. Lediglich einer von ihnen entgeht dieser erzwungenen Metamorphose, kehrt zum auf dem Schiff wartenden Odysseus zurück und berichtet diesem von den schrecklichen Geschehnissen. Selbstverständlich lässt Odysseus sich von den Schilderungen nicht abhalten nun seinerseits, schwer bewaffnet, Circe aufzusuchen. Mit dem Wunderkraut Moly, das ihn gegen die Zauberkünste immun macht, ausgerüstet und dem hilfreichen Rat des Hermes, Circe so lange mit einem Schwert zu bedrohen, bis sie verspräche ihm nichts mehr anzutun, tritt Odysseus in die Schlacht. Der Götterbote war jedoch auch im gegnerischen Lager nicht untätig. Circe berichtet er von der bevorstehenden Ankunft des Odysseus. 

Mit subtilen Mitteln wird nun der Augenblick sowohl des Erkennens als auch der damit verbundenen Wendung des ungleichen Kampfes zugunsten Odysseus’ geschildert. Es scheint als hätte van Mieris sich der niederländischen Theaterpraxis bedient, die Dramatik noch dadurch zu steigern, dass auf dem Höhepunkt des Geschehens kurz inne gehalten wird.

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Willem van Mieris, Odysseus bedroht Circe (Detail), um 1700, 60 x 50 cm, Öl auf Holz, Courtesy SØR Rusche Sammlung Oelde/Berlin

Circe ist mit einer Demutsgeste ergeben zu Boden gesunken, was ihr jedoch die Möglichkeit eröffnet, mit wie zufällig entblößten Körperstellen ihre, dem Griechen gegenüber wirkungslose, Verführungskunst auszuspielen. In elegantem Schwung drapieren sich die erlesenen Gewänder um sie. Mit der Rechten verweist sie auf ihre am Boden liegenden Waffen, Zaubertrank und Gerte, die sie sinnbildlich gestreckt hat. Sogar ihr kleines Hündchen zeigt sich unterworfen und wiederholt die Demutsgeste seiner Herrin. Odysseus hingegen, mit Tigerfell gewandet, zieht energisch sein Schwert und lässt Circe, im schwungvollen Kontrapost stehend, nicht aus den Augen. Neben ihm auf dem Tisch steht in einer kleinen goldenen Schale das Wunderkraut Moly, mit dessen Hilfe er diesen Kampf gewinnen kann. 

Auf allen Ebenen, in jedem noch so kleinen Detail stellt van Mieris diesen ungleichen Wettstreit mit seinen ungleichen Mitteln dar. Im Detail wird das große Ganze rezipiert.

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Willem van Mieris, Odysseus bedroht Circe (Detail), um 1700, 60 x 50 cm, Öl auf Holz, Courtesy SØR Rusche Sammlung Oelde/Berlin

Allein die parallel angeordneten Schienbeine von Circe und Odysseus, deren Fußspitzen sich einander zuwenden, könnten delikater nicht dargestellt werden: zarteste Rosétöne fein nuanciert und mit hellblauen Schleifenbändern geschmückt als Kontrast zum braunen Männerbein, dessen strotzende Muskelkraft durch den Schienbeinschutz gebändigt werden muss. 

Auch die Umgebung dieses Aufeinandertreffens trägt zur Bildaussage bei. Schwungvoll nimmt der kostbare Teppich Bezug auf die dynamische Haltung des Helden. Panisch entfliehen die Dienerinnen der Circe in entgegengesetzte Richtung aus dem Raum hinaus. Wird die obere linke Ecke wie bei einer Theaterbühne von einem dunklen Vorhang verdeckt, so erhält der Betrachter als Entschädigung einen weiten, von einer Serliana gerahmten Ausblick in mediterrane Landschaften am rechten Bildrand, der die Schönheit der Insel zeigt. 

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Willem van Mieris, Odysseus bedroht Circe (Detail), um 1700, 60 x 50 cm, Öl auf Holz, Courtesy SØR Rusche Sammlung Oelde/Berlin

Odysseus siegt in diesem Kampf. Seine Entschlusskraft, seine Geduld und Ausdauer in Momenten der größten Anspannung bringen die erhoffte Übermacht. Er bezwingt Circe und erreicht sogar, dass sie den in Schweine verwandelten Kameraden wieder menschliche Gestalt verleiht. Über ein Jahr werden die Griechen auf der Insel verweilen um sich zu erholen und Kraft zu schöpfen für ihre Rückkehr nach Ithaka. Auch nachdem sie sich getrennt haben, erweist sich Circe noch als wohlwollende und hilfreiche Freundin: Nicht nur sendet sie dem Schiff des Odysseus freundliche Winde, sie verrät darüberhinaus, wie er dem Unheil bringenden Gesang der Sirenen entgehen kann.

Präzise und detailliert schildert der Maler eine der Schlüsselszenen der Odyssee, wobei der handwerkliche Schaffensprozess gänzlich verborgen wird. Dünne Lasuren, glatte Oberflächen, die nicht im Geringsten den Verweis auf einen Pinsel geben, der einmal über den Malgrund geführt worden ist, sind ein Merkmal dieser Leidener Feinmalerei. Sie zeichnet sich gerade dadurch aus, dass der handwerkliche Prozess für den Betrachter selbst mit der Lupe nur schwer sichtbar wird. Eleganz im akademischen Stil des 17. Jahrhunderts, die sich von der Wahl des fruchtbaren Augenblickes bis hin zur exquisiten Wiedergabe der oben beschriebenen Stofflichkeit erstreckt, zeigt Willem van Mieris auf allerhöchstem Niveau. 

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Jonathan Meese, Dani + ich, 2001, 90 x 60 cm, Öl auf Leinwand, Courtesy of SØR Rusche Collection Oelde/Berlin, VG Bildkunst Bonn 2017

Der Gegenentwurf in Form einer bewussten Negierung aller zuvor beschriebenen malerischen Qualitäten springt dem Betrachter aus den Werken Jonathan Meeses regelrecht entgegen. Auf dem hochformatigen Gemälde DANI + ICH aus dem Jahr 2001 lösen sich erst bei eingehender Betrachtung aus dem pastosen, groben Farbauftrag zwei menschenähnliche Gestalten. Vor dem nur sehr flüchtig gestalteten Hintergrund aus schwarzen, braunen und ockerfarbenen  Pinselstrichen kristallisieren sich in der oberen Hälfte zwei Köpfe heraus. Die linke, auch leicht zu dieser Bildseite geneigte Figur, hat einen rotbraunen Oberkörper, ein gelbes Inkarnat sowie eine langhaarige grüne Frisur. Missmutig wirft sich der plastische Mund unter der langen geraden Nase auf. Über dem Kopf wird ein Kreuz sichtbar, das lediglich in die üppige Farbmasse eingedrückt ist. Neben dieser Gestalt erscheint ein weißer, runder, mit Rosa verwischter Farbfleck, der vielleicht nur als Gesicht lesbar wird, da er an Stelle der Augen zwei weiteaufgerissene rotumrandete Kreise aufweist. Ob Gespenst, menschliches Antlitz oder doch nur zufällig im Eifer des künstlerischen Prozesses so platzierte Farbansammlungen, lässt sich nur schwer sagen. Von feiner, präziser detailverliebter Technik kann hier keine Rede sein. 

Bad Painting war ein Begriff, der in den 70er Jahren in den USA aufkam für eine Malerei, die nicht im traditionell konnotierten Sinne „schlecht“ war, sondern sich über Beurteilungskriterien wie „gut“ oder „schlecht“ innerhalb der Kunst bewusst und nicht selten ironisch hinwegsetzte. Mit seiner hyperindividuellen und radikalen Art Kunst zu produzieren setzt auch Meese sich über sämtliche Kriterien hinweg, die vorgaben, was guter (Kunst)Geschmack einmal bedeutet hat. Mit seinen Aufsehen erregenden Projekten ist er sehr nah dran an diesen namengebenden Pionieren einer skandalträchtigen Form der Gegenwartskunst. 

Ein Kennzeichen seiner Malerei ist, anders als vor 300 Jahren, die fast physische Präsenz des vor Körperlichkeit strotzenden Arbeitsprozesses. Seine Kunst erzählt von keiner detailverliebten Langsamkeit im Entstehen, sondern von energischer Schnelligkeit. Kraftvoll sichtbar werden in Meeses Bildern die strukturiert-verwirrten Gedanken zum Menschsein allgemein oder auch seine ganz persönliche Auseinandersetzung mit der engsten Umwelt. Das hier besprochene Selbstporträt mit Künstlerfreund Daniel Richter überwindet traditionelle handwerkliche Traditionen in besonderem Maße. Die Nicht- Erkennbarkeit der Dargestellten im Porträt ist ebenso gewollt wie die offene Frage, ob Freund Dani sich vielleicht erst später selbst dazu gemalt hat.

Schwierig zu sagen, wo nun ein Vergleich dieser beiden so unterschiedlichen Werke ansetzen sollte, wenn er sich nicht nur in einer mehr oder minder oberflächlichen Gegenüberstellung des Handwerklichen ergehen wollte. Beide Gemälde sind der individuelle Ausdruck künstlerischer Positionen ihrer jeweiligen Zeit. Beiden Gemälden gebührt deshalb, trotz aller technischer Unterschiede, ein Platz innerhalb der Kunstgeschichte. Wer wollte sich anmaßen hier mit Begrifflichkeiten wie „gut“ oder „schlecht“ zu argumentieren. Vielleicht lässt sich die Antwort auf die Frage nach „guter Kunst“ auch ganz einfach lösen, nämlich mit einem Zitat von Jonathan Meese:

„Chef ist Kunst“. Zumindest daran besteht kein Zweifel. Heute so wenig wie vor 300 Jahren. 

Literatur: Hans-Joachim Raupp (Hrsg.): Historien und Allegorien. Niederländische Malerei des 17. Jahrhunderts der SØR Rusche Sammlung. Münster 2010. S. 250-255.

Dr. Teresa Bischoff, Kunsthistorikerin, ist in der Welt der Alten Meister ebenso zu Hause wie in der zeitgenössischen Kunst. Studium der Kunstgeschichte, Literatur und Geschichte an der Universität Erlangen und der Università La Sapienza Rom. Studienaufenthalte in Basel zu Emilie Linder und Paris zur Ikonologie des Louvre. Lehre an der Universität Erlangen und Hochschule Ansbach. Wissenschaftliche Assistentin an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg. Forschungsprojekt zur deutschen Figurenmalerei des 21. Jahrhunderts. Kuratorin der Ausstellung “Gute Kunst? Wollen!” http://www.mmkoehnverlag.de/gute-kunst-wollen-eine-kritische-untersuchung-der-sor-rusche-sammlung-oeldeberlin/

Dr. Teresa Bischoff, Kunsthistorikerin, ist in der Welt der Alten Meister ebenso zu Hause wie in der zeitgenössischen Kunst. Studium der Kunstgeschichte, Literatur und Geschichte an der Universität Erlangen und der Università La Sapienza Rom. Studienaufenthalte in Basel zu Emilie Linder und Paris zur Ikonologie des Louvre. Lehre an der Universität Erlangen und Hochschule Ansbach. Wissenschaftliche Assistentin an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg. Forschungsprojekt zur deutschen Figurenmalerei des 21. Jahrhunderts. Kuratorin der Ausstellung “Gute Kunst? Wollen!” http://www.mmkoehnverlag.de/gute-kunst-wollen-eine-kritische-untersuchung-der-sor-rusche-sammlung-oeldeberlin/

Jonathan Meeses “Mondparsifal” zu sehen und hören im Oktober in Berlin: https://www.berlinerfestspiele.de/de/aktuell/festivals/immersion/programm_immersion/immersion17_programm_gesamt/immersion17_veranstaltungsdetail_211157.php

Artikel im Kontur Magazin: Thomas Rusche – Kunst macht Lust auf Leben

 

Kontur No.15 - Das Cover der neuen Ausgabe. Foto, Tecklenborg Verlag

Kontur No.15 – Das Cover der neuen Ausgabe. Foto, Tecklenborg Verlag

Genau weiß nur er, wie viele Kunstwerke er sein eigen nennen kann. Mal heißt es voller Ehrfurcht und mit Bewunderung, seine Kunstsammlung umfasse 3.000, dann wieder liest man, es seien sogar mehr als 4.000 Werke. Unternehmer Thomas Rusche kennt sie alle. Viele hat er selbst erworben. Sie gehören zur SØR Rusche Sammlung mit Sitz in Oelde und Berlin.

Thomas Rusche – Kunstsammler und Unternehmer in Personalunion.

Thomas Rusche – Kunstsammler und
Unternehmer in Personalunion.

Es sind wirkliche Schätze, die in den zurückliegenden Jahrzehnten der Familiengeschichte zusammengekommen sind und die Thomas Rusche hütet wie seinen eigenen Augapfel. Das hindert ihn allerdings nicht, sie gerne auf Reisen zu schicken, um sie in den Kunstvereinen, Ausstellungshallen und Museen der Welt in immer neuen Konstellationen und Kombinationen auszustellen. Rusche teilt gerne – vor allem Anregungen und Gedanken. Besitz ist für den Unternehmer kein Selbstzweck, sondern Verpflichtung. Darin schließt er die private Kunstsammlung ebenso mit ein wie das eigene Bekleidungsunternehmen SØR, das er mit Erfolg führt. In diesem Jahr feiert das Unternehmen sein 60jähriges Bestehen, was in diesen turbulenten Zeiten durchaus bemerkenswert ist. SØR gilt als der deutsche Marktführer im Premium-Segment der Herrenausstatter und ist mit rund 60 Topmarken breit aufgestellt. Rusche weiß um seine Verantwortung für seine rund 300 Mitarbeiter und arbeitet konsequent an Strategien für die Zukunft des Unternehmens. Neben dem stationären Handel hat man sich bereits gut im Onlinehandel etabliert. Kunst und Klamotten sind für Rusche keine Gegensätze, sondern etwas, das sich, wie er findet, wundervoll ergänzt und inspiriert. „Vier Generationen meiner Familie leben nun schon von der Mode und für die Kunst“, sagt der Unternehmer.

Einzelne Kunstwerke werden auch in den SØR Filialen wie hier am Neuen Wall in Hamburg präsentiert: Das traditionelle SØR Sofa und zwei Werke von Carlos Perez und Michal Jankowski.

Einzelne Kunstwerke werden auch in den SØR
Filialen wie hier am Neuen Wall in Hamburg
präsentiert: Das traditionelle SØR Sofa und zwei
Werke von Carlos Perez und Michal Jankowski.

Im Mittelpunkt steht ein weitgefasstes Verständnis von Kultur, das für ihn und sein Leben sinnstiftend ist. Mode und Kunst machen in seinen Augen das Leben nicht nur bunt, sondern lebenswert. „Ich glaube, dass Kunst die Lust am Leben vergrößert.Wir alle stecken in einem Hamsterrad der Reproduktion unserer Lebensbedingungen.Wir gehen alle morgens zur Arbeit, gehen abends nach Hause, kochen, was im Kühlschrank ist, hoffen, dass die Partnerschaft halbwegs okay ist. In diesem Hamsterrad richten wir uns ein und merken gar nicht mehr, dass wir darin stecken. Um daraus auszubrechen ist Kunst ein unglaublich tolles Vademecum. Es zeigt uns, wie wir eine Bresche schlagen für das ganz Andere,“ so Rusche. Nicht von ungefähr werden regelmäßig Gemälde der Sammlung in den SØR-Filialen aufgehängt. Die Kunst soll Mitarbeiter und Kunden beflügeln, so wie er selbst inmitten von alter und neuer Kunst lebt und sich beflü- geln lässt. Er freut sich darüber, dass die Sammlung immer in Bewegung ist und die Bilder immer dann auf- und abgehängt werden, wenn sie den Anforderungen des Ausstellungsbetriebes folgen und ausgeliehen werden. Ein Lieblingsbild kann er nicht nennen: „Dafür wechseln die Kunstwerke selbst in meiner engsten Umgebung zu häufig, als dass ich mich in eines verlieben könnte“, sagt er. In dem halbjährlich erscheinenden Kundenmagazin, dem SØR Journal für Bekleidungskultur, inspiriert der Firmenchef seine Leser neben der Vorstellung aktueller Mode mit klugen Gedanken zur Kunst und präsentiert in Wort und Bild einzelne Meisterwerke seiner Sammlung. Die Liasons von Kunst und Mode inspiriert Rusche bei der Zusammenstellung der typischen SØR-Kollektion und bei seinen Ansprüchen an die Qualität der Bekleidung: „Mit derselben Hingabe, mit der ein Künstler immer wieder seinen Pinsel mit Bedacht auf die Leinwand setzt, erschaffen unsere Designer und Schnittmeister ihre großartigen textilen Kreationen.“ Die „Schönheit“ der Kunst ist zugleich Maßstab für die Kleidung, die er gerne verkaufen möchte und wie die „Innovationen“ und die „Diskussionswürdigkeit“, die er als Kriterien für das Erkennen von guter Kunst heranzieht, kommen ihm ähnliche Stichworte in den Sinn, wenn er über seine Mode spricht. „Gelungene Mode besticht durch handwerkliche Perfektion – von der Auswahl feinster Tuche bis hin zu ihrer meisterlichen Verarbeitung. Ebenso wichtig ist Innovation. Denn erst durch eine außergewöhnliche Idee, durch die Lust am Einsatz neuartiger, funktionaler Materialien und Schnitte werden Entwürfe von morgen geschaffen“, schreibt er in seinem Kundenjournal.

In den Räumen der Sammlung in Berlin herrscht durch die zahlreichen Antiquitäten und die Alten Meister eine ganz besondere Atmosphäre. Foto, Lars Beusker

In den Räumen der Sammlung in Berlin herrscht
durch die zahlreichen Antiquitäten und die
Alten Meister eine ganz besondere Atmosphäre. Foto, Lars Beusker

Seit er neben den Kabinettformaten der niederländischen Kunst des 17. Jahrhunderts auch zeitgenössische Werke sammelt, reizt es ihn, alte und neue Kunst in einen Dialog treten zu lassen. Unter diesem Titel hat er schon einige vielbeachtete Ausstellungen initiiert, darunter beispielsweise in diesem Sommer „Blühendes Leben“ im Caspar Ritter von Zumbusch Museum in Herzebrock. Unter dem Titel „Wahrheit“ präsentierte die Abtei Liesborn in Wadersloh Anfang dieses Jahres eine Ausstellung, die in fünf Kapiteln versuchte, der Wahrheit auf die Spur zu kommen – mit 57 Künstlern und ihren Werken aus der SØR Rusche Kunstsammlung. Die Erfahrung hat ihn gelehrt, dass bei solchen Gegenüberstellungen mehr Besucher angesprochen werden. „Bei Ausstellungen, die alte und neue Werke aus meiner Sammlung vereinen, kommen doppelt so viele Besucher wie sonst“,freut sich Rusche über die positiven Effekte der durchaus gewollten Provokationen. Die SØR Rusche Sammlung mit Standorten in Oelde und Berlin zählt zu den größten privaten Kunstsammlungen in Deutschland. Schwerpunktmäßig zunächst der Malerei gewidmet, umfasst sie heute Grafiken, Skulpturen, Fotografien, Installationen und Videos. Mehr als 2.000 Kunstwerke sind in den vergangenen Jahren an über 100 Museen und Kulturinstitutionen verliehen und in Ausstellungen gezeigt worden. Beinahe täglich erreichen Thomas Rusche Anfragen nach einzelnen Motiven, bestimmten Genreszenen und Arbeiten einzelner Meister. In einem mehr als 15 Jahre währenden Forschungsprojekt sind die Gemälde der Sammlung kunsthistorisch aufgearbeitet worden. In mehreren Publikationen wurden sie inzwischen unter kunsthistorischen Kategorien der Öffentlichkeit vorgestellt. Sie heißen „Genre“, „Landschaften und Seestücke“, „Stillleben und Tierstücke“ und „Historien und Allegorien“.

v An den Wänden der SØR Rusche Sammlung in Berlin zeigt sich ein inspirierender Dialog zwischen alter und zeitgenössischer Kunst. Foto, Lars Beusker

v An den Wänden der SØR Rusche Sammlung in Berlin
zeigt sich ein inspirierender Dialog zwischen alter und
zeitgenössischer Kunst. Foto, Lars Beusker

An den Katalogen mag man das überaus breite Spektrum der Sammlung und die überragende Qualität der Kunstwerke ermessen. Die Familie Rusche, die vor vier Generationen im Münsterland mit dem Handeln von Textilien begann, legte Ende des 19. Jahrhunderts den Grundstein für die Sammlung – zunächst mit Westfälischer Kunst und Antiquitäten. Mitte der 1950er Jahre übernahm Egon Rusche in dritter Generation den Textilhandel in Oelde, gründete die SØR Rusche GmbH und spezialisierte sich darauf, Niederländische Malerei des 17. Jahrhunderts zu sammeln. Thomas Rusch trat frühzeitig in die Fußstapfen seines Vaters. Schon als Kind wurde er in den Aufbau der Kunstsammlung einbezogen und gewissermaßen mit dem Virus Kunst infiziert. „Mein Vater hat mir die Möglichkeit gegeben, als erste Spielwiese Kupferstiche zu kaufen. Ich habe mit sechs Jahren mein ganzes Taschengeld in alte Druckgrafik investiert“, erzählt Rusche. „Dann war er klug genug, mir mit 14 den Eindruck zu geben: Ich kaufe kein Bild mehr, ohne dich zu fragen.“ Später folgen Reisen nach London, wo er an Auktionen von Sotheby’s und Christie’s teilnimmt und einzelne Werke für die Sammlung ersteigert. Sein kunsthistorisches Fachwissen ist so groß, dass er schon bei den Vorbesichtigungen erkennt, welche Gemälde für einen Ankauf lohnen, auch weil sie mitunter mehrere Restaurationen heile überstanden haben. „Es macht einen großen Unterschied, ob ein Altmeistergemälde in – wie die Amerikaner sagen – mint condition ist, als würde es frisch aus dem Atelier kommen oder – und das ist der Normalfall – das Gemälde hat schon zehn Restaurationen in vier Jahrhunderten gesehen, die alle den Dreck mit viel zu scharfen Lösungsmitteln runtergewaschen haben. Dabei fließt dann Blut, nämlich die Originalsubstanz“, bedauert Rusche in einem Interview. Heute kommen pro Jahr nur noch ein oder zwei Alte Meister zur Sammlung hinzu, nicht zuletzt weil der Zustand viele alter Gemälde, die in den Kunsthandel gelangen, nur noch beklagenswert ist. Dr. Thomas Rusche ist eine überaus faszinierende Sammlerpersönlichkeit. Seit 2004 sammelt er als Ergänzung zu den Niederländischen Meistern zeitgenössische Kunst aller Medien – darunter Arbeiten von Norbert Bisky, Marlene Dumas, Jonathan Meese, Neo Rauch, Norbert Thadeusz, Daniel Richter oder David Schnell.

Thomas Rusche bei dem Maler Christian Achenbach in dessen Atelier in Berlin. Foto, Lars Beusker

Thomas Rusche bei dem Maler
Christian Achenbach in dessen Atelier in Berlin. Foto, Lars Beusker

Gerne schaut er sich in den Kunstakademien in Nürnberg, Berlin und Düsseldorf um, kauft Arbeiten von Studenten und Absolventen, die in sein Suchmuster passen und interessante Impulse innerhalb der Sammlung ermöglichen. Zu Vernissagen geht er inzwischen deutlich seltener. „Ich bekomme so viele Einladungen, dass ich kaum eine freie Minute mehr hätte, würde ich allen folgen“, sagt er schmunzelnd. „Und meine Leber würde sicherlich ebenfalls aufbegehren.“ Er hat die Angst abgelegt, dass er etwas verpassen könnte. „Ich vertraue darauf, dass mich der liebe Gott bei der Hand nimmt und mich dorthin führt, wo ich etwas entdecken soll.“ Wer meint, dass Kunst zu sammeln, im ständigen Austausch mit Kunsthistorikern zu sein und Ausstellungen zu inspirieren, alleine ein Geschäft sei, das einen Menschen komplett ausfüllt, der springt im Fall des Thomas Rusche wohl zu kurz. Parallel und dabei nicht weniger engagiert ist er nämlich Bekleidungsfachmann, Herrenausstatter, geschäftsführender Gesellschafter des SØR Unternehmens mit 60 Filialen zwischen Aachen und Wiesbaden, praktizierender Katholik und Familienvater. Und alledem widmet er sich mit unglaublich viel Enthusiasmus, so dass man sich fragt, ob für ihn der Tag vielleicht einfach doppelt so viele Stunden bereit hält. Neben der Kunst, die an seiner ansteckenden Gelassenheit unzweifelhaft einen großen Anteil hat, ist es dem eigenen Verständnis nach der Glaube, der ihm Kraft, Motivation und Antrieb zugleich ist. Thomas Rusche tritt für die christliche Sozialethik ein, weil er eine fortschreitende „Verschattung der frohen Botschaft“ fürchtet. So beklagt er angesichts des Hungers in der Welt eine „Globalisierung der Gleichgültigkeit“. Als Mensch und Unternehmer mag er vor den Konflikten und Problemen in der Welt jedenfalls nicht die Augen verschließen. Er zählt zu einem ausgewählten Kreis von Experten, die in der päpstlichen Centesimus-annus-Stiftung an der Frage arbeiten, wie sich die Kirche zur Wirtschaft stellen soll.

Autor: Dr. Jörg Bockow

 

Thomas Rusche wurde 1962 in Münster geboren. Er studierte Sozial- und Wirtschaftswissenschaften, Philosophie und Katholische Theologie an der Université de Fribourg und an der Freien Universität Berlin. Im Jahr 1988 übernimmt er die Geschäftsführung der SØR Rusche GmbH und wird 1996 nach dem Tod seines Vaters alleiniger geschäftsführender Gesellschafter. 1991 wird er in Freiburg zum Dr. rer. pol. und 2002 an der FU Berlin mit der philosophischen Arbeit „Aspekte einer dialogbezogenen Unternehmensethik” zum Dr. phil. promoviert.

http://www.tecklenborg-verlag.de/index.php/cat/c51_kontur.html

http://instagram.com/soer_rusche

http://www.soer.de

Ausstellungen der SØR Rusche Sammlung Oelde/Berlin

Carina Linge, Stillleben S.W. (Paar Nr. 2), 2009, C-Print, 40 x 60 cm © Carina Linge

Carina Linge, Stillleben S.W. (Paar Nr. 2), 2009,
C-Print, 40 x 60 cm © Carina Linge

 

Wahrheiten

Werke aus der SØR Rusche Sammlung Oelde/Berlin

Bayer Kulturhaus Leverkusen 14.09.14 – 04.01.15

http://www.kultur.bayer.de/de/Spielplandetails.aspx?vguid=d5662c64-bcec-4097-953d-98c776df7d68

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ART WEEK BERLIN 

90. Kunstgang durch die SØR Rusche Sammlung Oelde/Berlin 

Am 19.September 2014 in Berlin-Charlottenburg, 17:00 – 19:00 Uhr

Anmeldungen bitte bis zum 15.09. an: m.kuehn@kleidungskultur-soer.de

Die Teilnehmerzahl ist begrenzt!

http://www.berlincollectors.com/

Alte Meister im Dialog mit:

L. C. Armstrong | Stephan Balkenhol | Ruth Barker | Tilo Baumgärtel | Andrea Bender |  Benjamin Bergmann | BEZA | | Norbert Bisky | Andreas Blank | Cecily Brown| Rafal Bujnowski | George Condo | Stephanie Dost | Marlene Dumas | Martin Eder | Marcel van Eeden | Marcel Eichner | Tim Eitel | Tom Ellis | Slawomir Elsner | Joachim Elzmann | Tracey Emin | Tim Ernst | James Esber | Carsten Fock | Andreas Golder | Ari Goldmann | Kerstin Grimm | Jim Harris | Armin Hartenstein | Anton Henning | Johannes Hüppi | Oda Jaune | Friederike Jokisch | Sabrina Jung | Lisa Junghanß | Alexander Keirinxc | Martin Kippenberger | Martin Kobe | Zofia Kulic | Alicja Kwade | Pe Lang | Corinne von Lebusa | Via Lewandowsky | Carina Linge | James Lloyd | Andrea Loefke | Rosa Loy | David Lynch | Katharina Mantel | Jonathan Meese | Stephan Melzl |Jan Molenaer | David Nicholson | Gillis Peeters | Ulf Puder | Neo Rauch | Lois Renner | Mandla Reuter | Daniel Richter | Arno Rink |  Peter Ruehle | Fumie Sasabuchi | Martin  Schepers | Cornelia Schleime | Rigo Schmidt | Norbert Schwontkowski | Secret Stars | Slava Seidel | Johannes Spehr | Rosi Steinbach | Stefan Stößel | Luc Tuymans | Miriam Vlaming | Herbert Volkmann | Caroline Weihrauch | Matthias Weischer | Stanislaw Ignacy Witkiewicz (Witkacy)

 

Bittersüße Zeiten. 

Barock und Gegenwart in der SØR Rusche Sammlung Oelde/Berlin

Museumsverein Stade e.V., Stade, (27.09.14 – 04.01.15)

http://www.museen-stade.de/kunsthaus/vorschau-ausstellungen/

Kunsthaus Apolda Avantgarde, Apolda, (11.01.15 – 15.03.15)

http://www.kunsthausapolda.de/ 

Kunsthalle Jesuitenkirche Aschaffenburg, Aschaffenburg, (09.05.15 – 06.09.15)

http://www.museen-aschaffenburg.de/ 

Tilo Baumgärtel | Andrea Bender | BEZA | Irene Bisang | Norbert Bisky | Birgit Brenner | Thorsten Brinkmann | Rafal Bujnowski | Jonas Burgert | Jim Butler | George Condo | Carlos De los Ríos | Jan Dörre | Martin Eder | Wolfgang Ellenrieder | Tom Ellis | Tracey Emin | Valerie Favre | Martin Galle | Sieghart Gille | Kerstin Grimm | Paule Hammer | Kathrin Henschler | David Hockney | Johannes Hüppi | Michal Jankowski | Oda Jaune | Michael Kirkham | Andrey Klassen | Karin Kneffel | Olrik Kohlhoff | Anna Kott | Marianna Krueger | Pawel Ksiazek | Zofia Kulik | Alicja Kwade | Carina Linge | Wen Ling | James Lloyd | David Lynch | Jonathan Meese | Jochen Mühlenbrink | Muntean/Rosenblum | Adam Mysock | Heribert C. Ottersbach | Justine Otto | Paul Pretzer | Olaf Quantius | Neo Rauch | Daniel Richter | Christoph Ruckhäberle | Fumie Sasabuchi | Moritz Schleime | Sandra Schlipkoeter | Herbert Volkmann |

 

Leibhaftig. Der menschliche Körper zwischen Lust und Schmerz

ARP Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen

(25.05.14 – 25.01.15)

Norbert Schwontkowski, Simon de Vos

 

Werner Tübke – Michael Triegel. Zwei Meister aus Leipzig

Kunsthalle Rostock, Rostock

(22.06.14 – 14.09.14)

Jesuitenkirche Aschaffenburg

(24.01. – 19.04.15)

Michael Triegel

 

New Masters

Galerie Jörg Heitsch, München

(12.09. – 08.11.14)

Matej Kosir

 

Mythos Wald

Historische und zeitgenössische Positionen zum Thema Wald und Bäume

Kulturhaus Beda

(21.09. – 23.11.14)

Helge Hommes

 

le salon! die sør rusche sammlung in der aktuellen ausgabe des Sleek Magazins

Salonnières ensemble: from left, vicky wang, galerie Jochen Hempel; Jan-Philipp Sexauer, lawyer; dr. dr. Thomas rusche, SØr Collection; Stephanie von dallwitz, artist; Philipp grözinger, artist; uwe-karsten günther, galerie Laden für nichts, with daughter olga; Marianne esser, patron; Christian Achenbach, artist (Photo by Sleek/Belaid Le Mharchi)

LE SALON

Make friends, drink wine, talk about art: why the re- surgent salon circuit is the best reason to stay in.

Text: Jeni Fulton. Portrait: Belaid Le Mharchi

EARLY EVENING IN West Berlin, and the sharp-dressed art collector Dr. Dr. Thomas Rusche is standing in the kitchen of his Charlottenburg apartment preparing for the arrival of his salon guests. Busy opening bottles of sekt, he presses glasses into the hands of new arrivals. Small groups of people begin to congregate in the apartment; they’re here to see the entrepreneur’s personal SØR Rusche collection, and to engage in informal conversation with fellow artists, curators, and critics.

“These gatherings started organically,” Rusche says. “Many people wanted to see the collection i have in my Berlin apartment, and i then decided to invite them all at a set time. I wanted to give them the opportunity to discuss the collection, and their reactions to it, as part of a larger group.” The painter Jonas Burgert is a regular guest, as are collectors Thomas olbricht and Jan-Philipp Sexauer, along with gallerists such as Gerd “Judy” Lybke and Christian Ehrentraut. The antique furniture and oriental rugs impart an atmosphere redolent of the Belle Epoque, but the contemporary German art on display – Alicja Kwade’s pile of gold bricks, Daniel Richter’s devil painting – situate the group firmly in the present.

Rusche has been hosting salons since 2008, modelled on the lines of gertrude Stein’s Paris gatherings of the early Twentieth Century. Gertrude and her brother Leo Stein were early impressionist collectors, and guests would turn up to see the Steins’ collection of Cézannes on Saturday evenings. The salon was attended by Picasso, Matisse and the poet Guillaume Apollinaire, among others; the focus lay on conversation, food and the Stein’s art.

Rusche’s collection, meanwhile, pairs dutch old Masters with contemporaary German painters and one or two YBAs, and amply fills his spacious flat. The study features Ruprecht von Kaufmann’s dis- turbing surrealist paintings and Katharina Otto’s sleeping Thanatos, while in the dining room a Martin Eder girl lustily lifts her dress and a disconsolate boy by Neo Rauch perches on the bookcases.

“I think it’s important that people come together to exchange views on contemporary issues,” Rusche reflects. “There are few structured opportunities to discuss significant issues. Good art for me is not just decorative, but inspires people to talk about the subjects contained within it.”

The salon, then: gatherings like these – friendly but gladiatorial, exclusive yet broad-minded – command a particular appeal today. in the post-social media era, intimacy, talk and contact have a value that can be can’t be matched by the tweet. in the spirit of the artistic gatherings popularised in eighteenth-Century Paris, the new hunger for debate has spawned a number of private salons from New York to London to Berlin. Hosted by art collectors, curators or gallerists, guests mingle in private settings to talk art and ideas. Here, art is resuscitated from the blur of half-remembered images and impressions formed during the latest round of vernissages, and can be enjoyed in surroundings more conducive to meaningful interaction. Guests actively seek conversation that goes beyond the usual thumbs up/ thumbs down exchanges characteristic of the gallery circuit. Salons present a forum for the exchange of ideas with like-minded individuals, with hosts eager to open up their personal art collections to a wider platform of debate.

“We are constantly invited to large public events, where we are expected to behave in a certain way. The groups are always very large, and this discourages close debate,” notes Anna-Jill Lüpertz, galler- ist and co-hostess of a quarterly salon in Berlin’s Moabit, which she founded with her brother Justus Werner. Werner is the son of the renowned art dealer Michael Werner, and the siblings have close family ties to the art world. Their salons take place on a quarterly basis, and for each salon, they select artists whose works are shown in Werner’s 200sqm apartment. These have included olaf Hajek, Nina Hoffmann, Kerstin Schröder and Bettina Ebel. “I wanted to provide a situation where art could be experienced in a private context, and hopefully thus encourage a more intimate level of debate. For a long time, people met in restaurants, or bars, or during exhibitions – they were un- willing to open their homes. I sensed that there was a desire to return to the private, to a more personal level of discussion,” Lüpertz says. Seasoned “salonnière” rachel rits-volloch agrees: “Salons work because of the intimacy, and the setting. You can achieve a different sort of communication.”

Cassandra Bird and Rits-Volloch started a salon as an extension of their Momentum space, a multi-disciplinary forum in Kreuzberg dedicated to international time-based art. “Openings have become networking events, so the content of the art retreats into the background. When we host these salons, people are very happy to finally talk about the show they saw last week,” Rits-Volloch says.

The consensus of the salon hosts is that the right selection of guests is key to the event’s success. Salons tend to be invitation-only, and guests are carefully selected and change regularly. “You don’t want to be having the same discussion over and over again,” Lüpertz says. One of the main challenges for the contemporary salonnière is to invite a creative, interesting mix of guests, to ensure a varied debate. The brother and sister duo hand-pick around 100 guests, ranging from Charlottenburg and dahlem architects, businesspeople and lawyers, to academics, the literati and Justus Werner’s younger art world and club kid friends. “I wanted to mix things up a bit, keep it lively, bringing together certain groups, while including all ages and social classes,” she says. The guest list varies each time, and is geared around the art being presented. “There are people whom i would like to get to know better in the context of the salon; i do have a wish-list,” she confesses. “It’s important that novel aspects and perspectives are introduced, and this of course comes through the constellations of people we invite. We want to provoke, and stimulate, so it’s important that we invite people who hold opposing views and come from diverse professional backgrounds.”

***

For ALL iTS resurgent appeal, the salon is hardly new. An invention of Seventeeth-Century France, salons were usually maintained by aristocratic women who hosted informal, private debates among politicians, intellectuals and artists. The first took place at the Hôtel de Rambouillet, and its hostess, Catherine de Vivonne, Marquise de Rambouillet (1588 – 1665), wanted to provide a space for open discussion away from the strictures of courtly life. The salon is said to have been a critical factor in the advancement of the enlightenment, and played a key part in cultural life in Europe and the United States until after the First World War. Notable salonnières included the philosopher Madame de Staël, and Johanna Schopenhauer, who held twice-weekly gatherings in her Weimar house for the German Romantic novelists and poets Wolfgang Goethe, the Schlegel brothers and Ludwig Tieck.

Following Horace’s definition of the aims of poetry, “either to please or to educate”, contemporary art salons emphasise structured conversation among their guests, and provide that structure either through introductory talks or a moderated discussion among the participants. To set the stage for the evening, Thomas Rusche gives guests a guided tour of his collection, while Lüpertz invites an art historian to talk about the works on show. Bird and Rits-Volloch ask artists or curators to moderate a discussion, which either focuses on an aspect of their programming for Momentum, or tackles the wider background of a contemporary event. “The quality of the debate is very important to us,” they say. Topics discussed at their salon included “what is Time-based art?” and a discussion of the art presented at the upcoming Biennale in Kiev. Participants include curators from the Hamburger Bahnhof, the Neue Nationalgalerie and the Museum of Islamic Art, all with a vested interest in the subject. “Our intention isn’t to make this high-brow academic to the point of not being accessible, but nevertheless trying to engender a level of discussion with enough depth to it, so everyone can benefit,” Rits-Volloch says.

Rits-Volloch and Bird’s programming changes regularly. The last salon was based around a full meal cooked by an artist and a curator having a conversation. Performance and video artist Steve Schepens presented a cooking performance which was originally conceived for a Michelin-starred restaurant, while conducting a discussion on the forthcoming Kiev Biennale with artistic director David Elliott. The title of the piece was “If you can’t stand the heat, get out of the kitchen.” The menu featured “Blue Mussels (Hommage à Marcel)” and “Cheese, wine and discussion”. Guests included artists from the Biennale, such as the kazakh video artist Almagul Menlibayeva, the gallerist Asia Zak, and Jennifer Allen of frieze magazine.

Food is also a feature at the Lüpertz/Werner gatherings, encouraging informality between strangers: a large cheese sits atop the kitchen table, waiting to have slices gouged out of it, and guests are free to help themselves to traditional Berlin potato soup. wine circulates freely. People who wouldn’t normally encounter one another are brought into contact, and are expected to talk about the art, breaking through social and professional boundaries.

That, of course, is the other side of the salon: despite their formal structure, they can be raucous occasions that last until the small hours. “Some of ours go on until 3am… with such a cross-section of knowledge and professionals, people are fighting and arguing, and don’t want to leave,” Cassandra Bird smiles. Rusche’s salons are similar: guests perch on the Chesterfield sofas and armchairs, nibbling on cheese and being sketched by the artist Andreas Golder, until it gets too late and everyone decamps to a nearby restaurant. Rusche draws his inspiration from the cultural life of Berlin – its open- ness, inventiveness and creative freedom, and the salon provides a platform to reflect on all this. “Berlin is a melting pot which attracts a very diverse group of people from all over the world. it’s a very dynamic, open city where people meet easily and freely, unconstrained by social hierarchies or groups,” he says. “I really enjoy the exchange of thoughts and arguments, bringing people into a space where they can unfold their potential and advance their ideas. Habermas calls it the noncoercive force of the better argument.”

In Berlin at least, the popularity of salons suggests that these days, the argument for staying in is strong, whether it’s noncoercive or otherwise.

It also begs another question: does all this mean that theory is fashionable again?

Sleek Cover Issue 34